Charlotte Mercier (Londres, 1738-1762) fue una pintora francesa nacida y activa en Londres. Era hija del pintor de retratos Philippe Mercier. Se sabe poco de su vida. Se especializó en realizar retratos al pastel. En la colección permanente del Museo Nacional de Mujeres Artistas, en Washington, DC, se conservan dos retratos suyos: Madeleine Marie Agathe Renée de la Bigotière de Perchambault y Olivier-Joseph Le Gonidec, ambos de 1757 y pintados al pastel. En la National Portrait Gallery (Galería Nacional de Retratos) de Londres, se conserva su Miss playing with Cup and Ball («Señorita jugando con una copa y una pelota»), mezzotinta grabada a partir de un dibujo de su padre.
Sofonisba Anguissola (Cremona, c. 1535-Palermo, 1625) fue una pintora italiana considerada la primera mujer pintora de éxito del Renacimiento. Cultivó el retrato y el autorretrato, estableciendo nuevas reglas en el ámbito del retrato femenino.2 A los 27 años se estableció en España, en la corte del rey Felipe II. Se le adjudica un importante papel como eslabón entre el retrato italiano y el español en el siglo XVI, además de notable influencia en el desarrollo posterior de este género en Italia. Su trayectoria resultó un precedente para varias mujeres artistas que habían sido excluidas de la enseñanza académica, de gremios y talleres y del mecenazgo papal, pero que sí encontraron respaldo en las cortes europeas entre los siglos XVI y XVIII
Artemisia Lomi Gentileschi (Roma, 8 de julio de 1593-Nápoles, hacia 1654) fue una pintora barroca italiana, representante del caravaggismo.
Su formación artística comenzó en el taller de su padre, el pintor toscano Orazio Gentileschi (1563-1639), uno de los grandes exponentes de la escuela romana de Caravaggio. Aprendió de su padre la técnica del dibujo, y el fuerte naturalismo de las obras de Caravaggio, con quien se la ha comparado por su dinamismo y por las escenas violentas que a menudo representan sus pinturas. En sus cuadros desarrolló temas históricos y religiosos. Fueron célebres sus pinturas de personajes femeninos como Lucrecia, Betsabé, Judith o Cleopatra, en los que se han leído rasgos feministas.
Dio sus primeros pasos como artista en Roma, y continuó su carrera en distintas ciudades de Italia. En 1612 se mudó a Florencia. Fue la primera mujer en hacerse miembro de la Accademia di Arte del Disegno de Florencia y tuvo una clientela internacional. Trabajó bajo los auspicios de Cosme II de Médici. En 1621 trabajó en Génova, luego se trasladó a Venecia, donde conoció a Anthony Van Dyck y Sofonisba Anguissola; más tarde regresó a Roma, y entre 1626 y 1630 se mudó a Nápoles. En el período napolitano, la artista recibió por primera vez un pedido para la pintura al fresco de la iglesia, en la ciudad de Pozzuoli, cerca de Nápoles. Durante el periodo 1638-1641, vivió y trabajó en Londres con su padre bajo el patrocinio de Carlos I de Inglaterra. Luego regresó a Nápoles, donde vivió hasta su muerte.
En mayo de 1611, cuando Artemisia tenía 18 años, el pintor Agostino Tassi, maestro de Artemisia y amigo de su padre, la violó, un suceso que se considera que tuvo influencia tanto en su vida como en su pintura
Ulrika Pasch era la hija del artista Lorens Pasch d.ä. y Anna Helena Beckman, hermana del artista Lorens Pasch, la más joven y sobrina del artista Johan Pasch . Su padre le enseñó a ella y a su hermano a dibujar y pintar. La razón fue que, a diferencia de su hermana Hedvig Lovisa (1744-1796), mostró talento. Sin embargo, se menciona de pasada que Hedvig Lovisa dejó dibujos que no carecían de talento.
Desde que su hermano en 1752 comenzó sus estudios en el extranjero, y la carrera de su padre ya no se presentó tanto como antes porque no se mantenía actualizado estilísticamente, la familia sufrió problemas financieros. Después de la muerte de su madre en 1756, Ulrika Pasch se convirtió en ama de llaves con la viuda de su tía, el orfebre Gustaf Stafhell el Viejo.Quien, sin embargo, la dejó pintar en su tiempo libre. De hecho, ella debe haber comenzado a recibir pedidos para el pago el mismo año. Pronto comenzó a realizar retratos y otras pinturas para pagar, y como artista profesional podría ayudar a su padre y a su hermana hasta su regreso a Suecia en 1766. Como se dice que apoyó a la familia durante un período de diez años, debería haber estado trabajando desde entonces. Alrededor de 1756. Se ha dicho que su éxito en la creación de una clientela tan rápidamente durante estos años se debe a los bajos precios que tomó. Durante al menos el final de este período, vivió en su propia casa, algo audaz para una mujer durante este tiempo.
En 1766, su hermano Lorens Pasch devolvió a la menor de sus estudios en el extranjero, y desde este año los hermanos trabajaron juntos y compartieron residencia y estudio, mientras que su hermana se hizo cargo de la casa. Su relación y cooperación se describen como armoniosas. Se dice que Ulrika Pasch a menudo pintó los detalles del trabajo del hermano que encontró agotadores, como la ropa y los textiles. Pasch tuvo una carrera exitosa hasta su muerte y fue reclutado frecuentemente por miembros de la corte real. Su hermana y ama de llaves Hedvig Lovisa se describe como profundamente afectuosa de ambos, y se sugiere que su muerte más tarde ese año como Ulrikas fue un suicidio.
Cuando se fundó la Academia de Bellas Artes en 1773, fue elegida como miembro al mismo tiempo que su hermano. Ella ha sido llamada la primera de su sexo en la academia de arte: Ulla Adlerfelt es mencionada como miembro antes que ella, pero esto fue en la predecesora de la academia de arte. En cualquier caso fue la primera artista profesional femenina. Sin embargo, ella solicitó en repetidas ocasiones una pensión en vano.
Ulrika Pasch participó con dos retratos en la exhibición de la academia de arte en 1794, y probablemente ella también participó el año anterior. Aunque estas exposiciones se llevaron a cabo veinte años después de la fundación de la academia, de hecho, estuvo entre los primeros miembros de la academia que participaron, ya que los miembros habían sido criticados por haber descuidado las exposiciones antes.
Thure Wennberg mantuvo su memorial en la academia, Memoria de Ulrica Fredrica Pasch , en 1798. Ulrika Pasch se describe allí como una persona humilde y feliz, adaptable y fácil de aceptar. Pasch está representado en, entre otros, el Museo Vänersborg [ 2 ] y el Museo Nacional [ 3 ] en Estocolmo.
Formada probablemente con su padre, gozó de la protección de María de Hungría, hermana del emperador Carlos V y gobernadora de los Países Bajos. En 1554 contrajo matrimonio con Christian de Morien, organista de la catedral de Amberes, siendo posible que abandonase la pintura a partir de este momento, pues no se conocen pinturas firmadas posteriores a esta fecha. Tras renunciar María al gobierno de los Países Bajos, en 1556, los esposos viajaron con su corte a España. En 1558 murió la gobernadora en Cigales (Valladolid) dejando a Catharina una espléndida recompensa según Ludovico Guicciardini, que la menciona como destacada artista y aún viva en su Descrittione (…) di tutti i Paesi Bassi (1566).
De Catharina se conocen firmados algunos retratos de pequeñas dimensiones, en su mayor parte femeninos y sobre fondo neutro, fechados entre 1548, como su propio autorretrato o el retrato de una mujer joven tocando el virginal (Colonia (Alemania), Wallraf-Richartz Museum), firmado «Caterina de Hemessen Pingebat 1548. Aetatis Suae 22», y 1552, año en que aparece fechado el retrato de un hombre de Londres, The National Gallery, firmado en capitales «catharina. filla / ioannis de hemes / sen pingebat /.1552.»2
Podría haber tenido alguna participación en el llamado retablo de Tendilla (Cincinnati Art Museum), procedente del extinguido monasterio jerónimo de Santa Ana de la citada villa alcarreña, atribuido por Max J. Friedländer a Jan Sanders van Hemessen. Los escudos labrados en madera en lo alto del retablo corresponden a los Arellano y los Sotomayor, emparentados los primeros con los Mendoza, patronos de una capilla en el monasterio.3 Obra del taller, en la que se distingue más de una mano, el retablo pudo ser pintado hacia 1550 y con Catharina se han relacionado las pinturas del cuerpo central y la predela
Anna Dorothea Therbusch (nacida Anna Dorothea Lisiewski, en polaco Lisiewska, 23 de julio de 1721 - 9 de noviembre de 1782) fue una pintora Rococó nacida en el Reino de Prusia. Se conservan aproximadamente 200 de sus trabajos, y pintó al menos ochenta y cinco retratos verificados
Anna Dorothea Therbusch nació en Berlín. Provenía de una familia de artistas, era hija de Georg Lisiewski (1674–1751), un pintor de Berlín de origen polaco que llegó a Prusia en 1692 como parte del séquito del arquitecto de la corte Johann Friedrich Eosander von Göthe.23 Georg enseñó pintura a Anna Dorothea, a su hija mayor, Anna Rosina, y a su hijo Christian Friedrich Reinfold Lisiewski.
En 1760 aparece pintando con éxito y recibe encargos en la corte de Stuttgart, en la de Mannheim y en la de Berlín en 1764. Las primeras obras de las que se tiene constancia después de su regreso a la pintura son de 1761 en el tribunal de Stuttgart del Duque Carlos Eugenio de Wurtemberg Pintó dieciocho cuadros en un tiempo muy corto para la galería del castillo. En 1762 llegó a ser miembro honorario de la Academia de las Artes de Stuttgart, y trabajó en Stuttgart y Mannheim. En 1765 se instaló en París. La Real Academia francesa de Pintura y Escultura mostró su primer trabajo, la pieza titulada El Bebedor, aunque le rechazan una pintura mitológica. Es criticada y respetada por su profesionalidad pero no tiene encargos. Denis Diderot, el filósofo y crítico de arte, fue comprensivo con ella, hasta el punto de encargarle un retrato de sí mismo con el torso desnudo.78 Anna Dorothea finalmente se unió a la Academia en 1767, vivió con Diderot y conoció artistas famosos, e incluso pintó a Philipp Hackert pero siguió sin tener éxito en París.9 Aquel tiempo es visto, sin embargo, como su época de mayor creatividad
Elizabeth Blackwell (3 de febrero de 1821-31 de mayo de 1910) fue la primera mujer que logró ejercer la profesión de médico en los Estados Unidos y en todo el mundo.1
Nació en Bristol (Inglaterra), siendo la tercera de los nueve hijos de Samuel Blackwell, un refinador de azúcar y de Hannah Lane, criándose así en una familia con suficiente capacidad económica como para pagar la educación a todos sus hijos.2 En 1831 emigró con su familia a Cincinnati, Estados Unidos, abriendo su padre una refinería en Nueva York.3 Blackwell, tras fallecer su padre, comenzaría a estudiar medicina, con el deseo de dedicarse a la práctica médica.4
El suyo sería un papel activo en el movimiento abolicionista estadounidense.2
Diez universidades rechazaron su solicitud hasta que fue admitida en Ginera (Nueva York). El 11 de enero de 1849 se convertiría en la primera mujer en recibir el título de doctora en medicina, en Estados Unidos.5
Recibió el consejo de realizar cursos de homeopatía y dedicarse a la práctica de la medicina no oficial.
Marchó a donde ejerció en maternidad. En una de las curas, una secreción purulenta le salpicó el ojo izquierdo dejándola ciega. Aquello truncaría su carrera de cirujana. Poco después, marcha a Inglaterra donde conoce a Florence Nightingale y al regresar a Estados Unidos, funda, junto a su hermana Emily, una escuela de Enfermería para mujeres. El estallido de la Guerra de Secesiónlas dará a conocer a ellas y a sus primeras discípulas. Escribió además, tratados para difundir entre la población femenina, consejos y recomendaciones para mejorar su higiene y salud.6
Terminada la guerra, en 1868 funda una Universidad de Medicina para mujeres y al año siguiente marcha a Inglaterra donde ejerce la cátedra de ginecología hasta su jubilación en 1907
Bárbara Longhi (Rávena, 21 de septiembre de 1552 — ibidem, 23 de diciembre de 1638) fue una pintora renacentista. Su trabajo está orientado a la pintura religiosa.
La obra de Longhi, inmersa en los fragores de la Contrarreforma, está referida a los temas religiosos, en especial las representaciones de la Virgen y el niño. Al inicio de su trabajo, posee una paleta restringida, con preeminencia de la línea sobre el color. Debido a su condición de género, que restringía la presencia de las mujeres en los oficios artísticos, su trabajo no fue conocido fuera de las fronteras de su ciudad.
De su obra subsisten quince lienzos, todos de tema religioso, uno de los cuales incluye su autorretrato, tema muy propio del Renacimiento. Pese al relativo aislamiento de su trabajo, obtiene el reconocimiento de Giorgio Vasari, reputado teórico del Arte, quien sostiene que en sus trabajos destaca "la pureza de la línea y la suave brillantez del color". A partir de 1590 adquiere una paleta de mayor brillantez, utilizando fondos donde se enfatiza la monumentalidad. Diez años después, su trabajo toma un sesgo intimista, más centrado en la vinculación entre las figuras. La obra de Longhi manifiesta la influencia de Leonardo Da Vinci y Rafael Sanzio, en el uso del sfumato y la composición en pirámide. Trabajó en el taller de su padre, posteriormente administrado por su hermano a la muerte de éste en 1580.
Marie-Suzanne Giroust, (9 de marzo de 1734 a 31 de agosto de 1772), conocida como Madame Roslin, era una pintora, miniaturista y pastora francesa, conocida por sus retratos. Fue miembro de la Real Academia de Pintura y Escultura. Sólo un pequeño número de ella.
Marie-Suzanne Girout nació y vivió en París. Era hija de Barthélemy Giroust, joyero del guardarropa del rey (1741) y Marie Suzanne Le Roy (1745). [2] Huérfana a una edad temprana, fue criada por un familiar. [2] Estudió arte con Maurice Quentin de La Tour y luego con Joseph-Marie Vien. [1] Las enseñanzas de Vien, en particular, afectaron su propio arte en gran medida. [3]
Giroust estuvo activo como artista desde la década de 1750. Ella pone al artista sueco Alexander Roslin en el estudio de Vien en 1752. [2] Deseaba casarse con él, a quien no le gustaba Roslin porque era pobre y protestante. [3] Después de rechazar los pretendientes sugeridos por su tutor, se le permitió casarse con Roslin después de la mediación del patrón de Roslin, el conde de Caylus. [2] El matrimonio se produjo el 5 de enero de 1759, con el embajador sueco como testigo. La pareja tenía tres hijas y tres hijos. [3]
Giroust era un pintor en colores pastel. Su marido ha sido mejor que pastelista. [3] En 1770, Giroust fue admitido en la Real Academia de Pintura y Escultura de París. [4] Fue una de las quince mujeres en los 145 años de historia de la institución [4]. Su pieza de recepción, Retrato del escultor Jean-Baptiste Pigalle (1770), fue elogiada por Denis Diderot en 1771 por sus "colores hermosos y fuertes". [5]
Gironde sirvió como modelo para La Dama con el Velo (1768), pintada por su esposo. También aparece en el retrato del grupo de Alexander Roslin, El artista y su esposa Marie-Suzanne Giroust, que retrata a Henrik Wilhelm Peill (1767). [6]
Marie-Suzanne Giroust murió de cáncer de mama en 1772, a los 38 años.
Fede1 Gallizi, mejor conocida como Galizia, nació en Milán en 1578. Su padre, Nunzio Galizia, quien se mudó a Milán desde Trentofue un pintor de miniaturas. De él aprendió Fede a pintar, y se dice que a la edad de doce años era suficientemente considerada artista como para ser mencionada por Giovanni Paolo Lomazzo, pintor y teórico del arte amigo de su padre, de la siguiente forma: «Esta joven se ha dedicado a imitar a nuestros más extraordinarios artistas».
Cuando Fede estuvo preparada y establecida como pintora de retratos, comenzó a recibir muchos encargos. Posiblemente por influencia de su padre como miniaturista, tuvo tendencia al detalle en sus pinturas. Su tratamiento de las joyas y la vestimenta la convirtieron en una retratista muy buscada. También se dedicó a la pintura religiosa y profana, por ejemplo varias versiones de Judith y Holofernes como las del Museo Ringling de Florida y Palacio Real de La Granja en España. También pintó miniaturas y retablos para conventos.
El estilo de sus retratos deriva de las tradiciones naturalistas del Renacimiento italiano, con una aproximación muy realista. El estilo de retrato de Fede Galizia resulta muy evidente en su Retrato de Paolo Morgia,2 un estudioso jesuita que fue uno de sus primeros mecenas. Morgia era escritor e historiador y quedó muy satisfecho con el trabajo de Fede, en el que lo retrata mientras escribe un poema sobre las obras de la artista.
Fede Galizia recibió además varios encargos públicos para iglesias, como por ejemplo el retablo que pintó para el altar de Santa María Magdalena en Milán (1616).
Cuando no pintaba retratos, la artista se interesó primordialmente en pintar bodegones, un género en el que fue pionera y alcanzó excelentes resultados. Aunque pocas fuentes mencionan este tipo de obras, representan la mayoría de las que se conservan de su autoría: se han catalogado sesenta y tres trabajos de Galizia, de los que cuarenta y tres son bodegones. Uno de ellos, de 1602 está considerado el primer bodegón firmado por un artista italiano, probando su compromiso con este -en aquella época- nuevo estilo de pintura.
Fede nunca contrajo matrimonio, y se dice que vivió una vida feliz con éxito en su carrera artística. Murió en Milán en 1630.
Anne Vallayer, de casada Coster (París, 21 de diciembre de 1744 - ídem, 28 de febrero de 1818) fue una pintora francesa. Está considerada como una de las pintoras de naturaleza muerta más importante de la Francia de finales del siglo XVIII y principios del siglo XIX.
Hija de un orfebre del taller real de Tapices de Los Gobelinos. A los 10 años la familia se trasladó a París, donde el padre abrió su propia tienda. Estudió con Madeleine Basseporte y Claude Joseph Vernet. Fue admitida en la Academia Real de Pintura y Escultura Francesaen 1770 como pintora de bodegones, y expuso en el Salón del año siguiente.1
Comenzó a pintar en el año 1762 pero no se conservan obras suyas hasta 1766. En 1770 se presentó para entrar a la Academia Real Francesa con dos “Alegorías de las artes visuales y de la música” (hoy en el Louvre) y fue aceptada por unanimidad.2
Con esas obras debutó en 1770 en el Salón, donde participa casi cada año y siempre fue muy elogiada hasta que debutaron en él, las grandes pintoras retratistas, Marie Louise Élisabeth Vigée Lebrun y Adélaïde Labille-Guiard, en 1783. Desde que en 1785, se le criticaran mucho unos retratos sólo se dedicó a las naturalezas muertas, especialmente a las flores.
En este género es considerada famosa con justicia. Se registran de ella al menos 400 obras con temas de flores, caza, instrumentos musicales, trofeos militares, utensilios de cocina, lujosa porcelana, jamones, langostas, frutas, en cuadros pequeños o grandes y de composiciones elaboradas.
En 1780 fue nombrada pintora de la reina María Antonieta. Continuó pintando una amplia gama de temas que incluían animales, bajorrelieves trampantojos, miniaturas y retratos de tamaño completo, que reflejaban la opulencia de la aristocracia francesa antes de la Revolución.3
En 1781 se casó con Jean-Pierre-Sylvestre Coster, abogado del Parlamento. Continuó su carrera con éxito hasta su muerte, convirtiéndose en jefa de gabinete de pintura de la reina María Antonieta y su profesora de diseño. Especialista en retratos y bodegones, también se distinguió en la pintura de género y las miniaturas.
Debido a su estrecha asociación con María Antonieta, su carrera sufrió durante la Revolución Francesa. Ella continuó exhibiendo en el Salón, sin embargo, hasta el año antes de su muerte en París el 28 de febrero de 1818.4
Vallayer-Coster se comparó a menudo con algunas contemporáneas, incluidas Adélaïde Labille-Guiard y Marie Louise Élisabeth Vigée-Lebrun, que fueron más ampliamente elogiadas como retratistas. Después de una crítica mordaz de los críticos en el Salón de 1785, Vallayer-Coster dejó de pintar retratos debido a las críticas a sus pocas obras y en su lugar se centró en naturalezas muertas.
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